Peter Marbach, abril de 2026: El poder del lugar. Cortesía de la Sociedad Histórica de Oregón. La belleza y el espíritu de Oregón son tan diversos como su paisaje y su gente. Para celebrar esta riqueza, la Comisión America 250 de Oregón contrató al fotógrafo Peter Marbach para dos exposiciones fotográficas que muestran la esencia de Oregón y sus vibrantes comunidades. En El poder del lugar, sumérjase en la impresionante belleza de Oregón a través de fotografías que celebran los diversos paisajes del estado. Desde la escarpada costa y las imponentes montañas hasta el sereno Alto Desierto y otros lugares emblemáticos, esta colección lo invita a explorar los lugares que continúan inspirándonos y conectándonos a todos. Al recorrer estas imágenes, la comisión honra y reconoce que todas las tierras representadas en esta exposición son los territorios ancestrales de los pueblos indígenas de Oregón, quienes han cuidado y preservado estos lugares desde tiempos inmemoriales. Esta exposición resalta tanto la belleza natural de estos paisajes como la conexión perdurable entre las personas y el lugar. La distinguida trayectoria de Peter Marbach abarca tres décadas creando paisajes evocadores de una belleza indescriptible. Ha escrito varios libros ilustrados y cuenta con numerosas publicaciones regionales y nacionales. Un autorretrato que celebra el amanecer en la cima del Monte Hood, un año después de una cirugía a corazón abierto, iluminó la portada de un mapa de las Cascadas de National Geographic. Su libro de 2019, «Healing The Big River – Salmon Dreams and the Columbia River Treaty», continúa educando al público sobre la importancia de modernizar el Tratado del Río Columbia para sentar las bases que permitan restaurar la migración del salmón a las cabeceras en la Columbia Británica. El trabajo de Marbach ha evolucionado a lo largo de los años para desarrollar proyectos que contribuyen a la comunidad en general, desde trabajar con tribus y pueblos originarios en su búsqueda por restaurar las poblaciones de salmón en el Columbia, hasta su labor voluntaria en Nepal apoyando el avance educativo individual de mujeres y niños. Sus proyectos han aparecido en Oregon Field Guide, Think Out Loud de OPB y, recientemente, en Grant's Getaways de KGW. Las exposiciones actuales encargadas por la Sociedad Histórica de Oregón incluyen la celebración del centenario de la emblemática autopista costera del Pacífico 101 en Oregón, que estará en exhibición de enero a septiembre de 2026, y las exposiciones itinerantes tituladas "El poder del lugar" y "La búsqueda de la felicidad", ambas celebrando el lugar único que ocupa Oregón en el 250 aniversario de Estados Unidos este año.

KYRIANNA es una artista de acuarela y técnicas mixtas de renombre internacional cuyo trabajo se centra en el dolor crónico y las enfermedades. La práctica artística de KYRIANNA comenzó a temprana edad, tras desarrollar una afección de dolor crónico debilitante a los doce años. Su instalación, "Afecciones crónicas a través de la lente de la naturaleza", se exhibió en ScienceWorks de enero a abril de 2026. Las estadísticas muestran que aproximadamente uno de cada cuatro adultos estadounidenses vive con algún tipo de afección crónica. Estas afecciones son tan variadas como las personas que las padecen, y personas de cualquier edad, apariencia o nivel socioeconómico pueden desarrollar una afección crónica. Muchas de estas dolencias son invisibles y no coinciden con lo que la gente suele imaginar cuando escucha la palabra "discapacitado", a menudo visualizando a alguien en silla de ruedas o usando un bastón. Es posible que conozca algunas afecciones invisibles, como la diabetes, el asma o el dolor de espalda crónico, pero hay muchas otras de las que probablemente nunca haya oído hablar. Incluso cuando una afección crónica es invisible, puede ser igual de incapacitante, y a veces más, que una discapacidad visible. Las personas con discapacidades invisibles a menudo enfrentan desafíos únicos y discriminación debido a que sus condiciones no son visibles y a los estereotipos sociales sobre cómo "debería" verse una persona con discapacidad. La discriminación contra las personas con discapacidad se llama capacitismo y, lamentablemente, sigue estando muy extendida en nuestra sociedad. KYRIANNA trabaja principalmente de forma individual con personas que viven con enfermedades crónicas, creando retratos surrealistas en acuarela y explorando también una variedad de técnicas mixtas, instalaciones y performances. Su obra se centra en la discapacidad, incorporando temas de feminismo, interseccionalidad, psicología y naturaleza. Utiliza elementos naturales para representar los síntomas crónicos con los que sus sujetos conviven a diario, estableciendo paralelismos entre el mundo natural y las condiciones que retrata. El propósito de estas obras es crear conciencia sobre la discapacidad —especialmente las discapacidades invisibles—, compartir las historias de personas con enfermedades crónicas y brindar una representación significativa para el público con discapacidad. Para obtener más información sobre la artista o contactarla para encargos o la compra de obras de arte, visite www.kyrianna.art.

Claire Duncan comenzó a pintar tras mudarse a Ashland, Oregón, en 2001. Su formación en diseño gráfico sigue influyendo en su enfoque pictórico, gracias a su aguda percepción de la luz, el equilibrio y la composición. Duncan pinta con acrílico sobre paneles de madera hechos a mano, utilizando a menudo sus propias fotografías como referencia. Sus obras se caracterizan por su precisión técnica, su solidez compositiva y su profundidad emocional. A lo largo de los años, ha recibido numerosos premios, entre ellos los de Expressions West del Museo de Arte de Coos, el Concurso de Arte Total de la revista Artist's Magazine y la Bienal de la Costa Oeste del Museo Turtle Bay. Sus pinturas forman parte de varias colecciones de museos y su obra ha aparecido en Oregon Art Beat de OPB y en la página web CANVAS de PBS NewsHour. En su exposición actual, Nature's Paradox, Duncan explora la compleja relación entre la humanidad y el mundo natural. Cada pintura yuxtapone retratos detallados de especies autóctonas con señales del impacto humano —incendios forestales, contaminación, superpoblación— creando una tensión visual y emocional. Mediante esta yuxtaposición, Duncan nos invita a preguntarnos cómo podemos celebrar la belleza de la naturaleza al tiempo que afrontamos su vulnerabilidad.

Kailey Ousley es una artista de técnicas mixtas e ilustradora inspirada por la belleza cotidiana del mundo que la rodea. Su arte combina papel recortado, tinta y pintura para crear collages que celebran la maravilla de la naturaleza. Al combinar colores vibrantes con una variedad de texturas interesantes que encuentra en papeles y textiles hechos a mano, resalta los llamativos patrones y formas que observa al aire libre en el noroeste del Pacífico. Trabaja principalmente con capas de papel, rasgando, cortando y pegando cientos de formas para crear una imagen completa. También crea esculturas y adornos de metal utilizando latas recicladas. A través de su arte, captura la alegría y la maravilla de nuestro entorno, a menudo ignorado. Espera inspirar al espectador a examinar y deleitarse con la belleza de su entorno, y a reflexionar sobre la basura y el reciclaje que producimos los humanos y las formas creativas en que podemos evitar que termine en el vertedero. La exposición interactiva de Kailey, Belleza en el patio trasero: ¿Nativa o no?, se presentó en ScienceWorks de abril a junio de 2025.

Durante el Festival de Murales, artistas regionales transformaron la plaza del museo en un estudio al aire libre. Durante un fin de semana, los visitantes pudieron observar cómo los artistas daban vida a murales de gran formato en tiempo real, ofreciendo una oportunidad única para presenciar el proceso creativo. Las obras terminadas permanecieron expuestas durante todo el verano, llenando de color y energía los terrenos del museo. Varios artistas participantes también exhibieron obras de técnica mixta en la galería Arte en Ciencia, Tecnología, Ingeniería, Arte y Matemáticas (STEAM), extendiendo el espíritu de colaboración y creatividad de la plaza a los espacios interiores del museo.

Morgan Gaines es miembro inscrita de la Tribu Confederada de Indios Coos, Lower Umpqua y Siuslaw (CTCLUSI), y ha vivido y trabajado gran parte de su vida en el sur de Oregón. Actualmente reside en Eugene, donde ofrece sus servicios como artista, diseñadora, fotógrafa y creadora de joyas. Morgan explora las formas contemporáneas de crear arte (diseño digital) a partir de temas tradicionales y populares (flora y fauna), y le apasiona asesorar a organizaciones y empresas tribales para crear logotipos profesionales que sean a la vez modernos e indigenizados. Una selección de obras de la colección de Morgan se exhibió en ScienceWorks de enero a marzo de 2025. Declaración de la artista: "Niishanax (hola), soy Morgan, también conocida como N8VMojo, artista indígena, quuiich (Umpqua Baja) y caucásica. Mi herencia y cultura desempeñan un papel importante en mi vida. Me han ayudado a forjar mi identidad e inspiran mi arte y diseño. El arte se manifiesta de muchas formas y me encanta crear joyas y trabajar con cuentas, además de pintar y diseñar digitalmente. Mi gran pasión es el arte. Poder expresarme y explorar el mundo a través de una perspectiva creativa ha llenado de color cada capítulo de mi vida. Me gustaría que quienes vean mi obra reflexionaran sobre la conservación y la protección de los hábitats de las especies animales y vegetales que siempre han sido importantes para los pueblos indígenas."

La pintora al aire libre Sarah F. Burns, del sur de Oregón, ha dedicado los últimos seis años a pintar en Vesper Meadow, una reserva de restauración biocultural y centro de educación comunitaria en las Cascadas, cerca de Howard Prairie. Documenta diversos hábitats de esta parcela de 405 hectáreas en cada estación del año. Ciencia y arte se fusionan en la serie de obras que se presenta en esta exposición, Bovine Beach: July, donde Sarah crea una pintura cada mes de julio para documentar la restauración del arroyo Latgawa. Playa Bovina: julio de 2019, 2020, 2021, 2022 y 2023 estuvieron en exhibición en ScienceWorks de julio a agosto, junto con la presentación de julio de 2024. Acerca de Vesper Meadow: "La misión del Programa Educativo Vesper Meadow (VM) es inspirar una cultura de administración de la tierra y conexión con la naturaleza. Pintamos el panorama de comunidades y ecosistemas resilientes con programación práctica en nuestra ubicación principal, la Reserva de Restauración Vesper Meadow de 1000 acres, donde administradores y estudiantes trabajan en esfuerzos a largo plazo para la restauración ecológica, la resiliencia climática, el monitoreo científico de especies raras y biodiversidad, y proyectos comunitarios para la reconexión de la relación humano-tierra. Los programas abordan la necesidad de nuestra sociedad de pensadores holísticos al integrar diversas perspectivas de aprendizaje y practicar enfoques basados en soluciones para abordar el cambio climático y los problemas de justicia social. El núcleo de nuestra misión es la creencia de que la restauración ecológica es sinónimo de renacimiento cultural. Nos asociamos con Tribus registradas (evidenciado por tierras cedidas, tratados y jurisprudencia) y trabajamos en colaboración con socios comunitarios para establecer una red liderada por indígenas que permita alcanzar los objetivos autodeterminados de los pueblos nativos y fortalecer los esfuerzos de restauración y educación en todo el suroeste de Oregón. Al integrar diversas formas de pensar y comprender el mundo con proyectos tangibles que demuestran las mejores prácticas en tiempos de cambio climático, trabajamos por la sanación mutua de la relación entre el ser humano y la tierra.

Durante más de 60 años, Betty LaDuke ha recorrido el mundo como artista y activista, llevando su cuaderno de bocetos y su cámara a aldeas de Latinoamérica, Asia y África, así como a remotas Papúa Nueva Guinea y Borneo. Estas experiencias inspiran las grandes pinturas acrílicas, grabados y paneles que exhibe en centros de arte y museos de todo el mundo. De espíritu fervientemente independiente, LaDuke rara vez pone su obra a la venta, convencida de que debe ser accesible para todos. Nacida en el Bronx, Nueva York, LaDuke recibió becas para la Universidad de Denver, el Instituto de Arte de Cleveland y el Instituto Allende en San Miguel de Allende, México. Entre 1953 y 1956, su encuentro con los dinámicos muralistas mexicanos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo fue una experiencia formativa fundamental. Tras obtener una maestría en grabado en la Universidad Estatal de California en 1964, LaDuke impartió clases en la Universidad del Sur de Oregón en Ashland, Oregón, desde 1964 hasta 1996, jubilándose como profesora emérita de arte. Su labor de promoción internacional del trabajo de las mujeres artistas comenzó con su primer año sabático en la India en 1972. En los años siguientes, las exploraciones culturales se convirtieron en la base de su arte, organizado en exposiciones itinerantes: Impresiones de la India; China, una visión interna de una forastera; Chiapas, México, tierra y libertad; África, mito, magia y realidad; y Uniendo al mundo. Algunas obras de la exposición de LaDuke, *Sabiduría de la tortuga: personal, política y lúdica*, se exhibieron en ScienceWorks desde noviembre hasta diciembre de 2024.

Bill es ingeniero eléctrico de formación, y la fotografía ha sido durante mucho tiempo parte de su vida para ejercitar su hemisferio derecho. Inicialmente, aprendió técnicas de fotografía en blanco y negro en cuarto oscuro durante la primaria, tomando las fotos con la Argoflex de doble objetivo de su padre. En la secundaria, fue el único fotógrafo del anuario y del periódico semanal, encargándose de tomar, imprimir y revelar cientos de metros de película. Al mismo tiempo, también trabajó como asistente de cuarto oscuro en un estudio fotográfico a color especializado en retratos y fotografía aérea. Actualmente, Bill se dedica principalmente a la fotografía de paisajes y arquitectura. Ha expuesto en cinco muestras con jurado en los últimos dos años. Ha publicado varios libros de fotografía de forma independiente y actualmente colabora con el Peregrine Fund y el Perelman Performing Arts Center, proporcionando imágenes para sus necesidades de marketing y medios de comunicación. Una selección de obras que muestran la aurora boreal desde la perspectiva de Lofoten, Noruega, y Ashland, Oregón, se exhibió en ScienceWorks de septiembre a octubre de 2024. Declaración del artista: «Me fascina la calidad de la luz y la textura en los extremos del amanecer y el atardecer. Trabajo para capturar la sensación de quietud y las posibilidades de esos momentos especiales».

Shoshanah Dubiner es hija de inmigrantes europeos que le inculcaron el amor por las artes y el aprendizaje. Comenzó a dibujar y pintar desde niña y asistió a clases de arte los sábados por la mañana en el Museo de Arte de Cleveland y luego en el Palacio de la Legión de Honor de California en San Francisco. Vivir en Florencia, Italia, como estudiante de intercambio de secundaria en 1960, rodeada de arte renacentista y de gente amante del arte, fue uno de los mayores regalos que jamás recibió. Sus años estudiando humanidades en la Universidad de California Berkeley, Harvard y Brandeis perfeccionaron sus sólidas habilidades analíticas sin perder su imaginación. Tras obtener una maestría en Diseño Teatral, Shoshanah trabajó como diseñadora de vestuario durante tres años en Italia. En 1978, se convirtió en artista residente del Consejo de las Artes de California en la Academia de Ciencias de California y trabajó con científicos e investigadores de diversas disciplinas científicas. Un curso sobre la célula en la Universidad del Sur de Oregón (SOU) en 2007 despertó su interés por la célula y sus estructuras. El mundo de lo diminuto capturó su atención, y su obra artística tomó un nuevo rumbo: la naturaleza vista a través del microscopio e interpretada con mitos y metáforas. Su trabajo combinó las explicaciones científicas del universo con la visión poética y visionaria. En 2008, se convirtió en admiradora de los libros de Lynn Margulis y Dorion Sagan, quienes le brindaron una interpretación profundamente novedosa de la vida en la Tierra. Tras la muerte de Margulis en 2011, Shoshanah pintó un homenaje a esta gran científica: Endosimbiosis: Homenaje a Lynn Margulis. Con sus colores vibrantes y formas enérgicas que expresan el entusiasmo de Shoshanah por el mundo material y vivo, la pintura se exhibió por primera vez en el homenaje a Margulis en 2012 en la Universidad de Massachusetts Amherst y desde entonces ha sido publicada en Staying with the Trouble de Donna Haraway, en Critical Zones, publicado por el Centro ZKM de Arte y Medios, y en otras revistas. Más recientemente, el tríptico de protocélulas de Shoshanah, creado en colaboración con el profesor de ingeniería biomolecular David Deamer, se exhibió en préstamo en el Centro Norris de Historia Natural de la Universidad de California en Santa Cruz. Shoshanah ha trabajado con estudiantes en las escuelas; impartió clases en el Instituto Osher de Aprendizaje Permanente de la Universidad del Sur de Oregón (SOU) sobre patrones en la naturaleza; y creó arte al aire libre sobre polinizadores, polen y plantas para The Farm en SOU. Actualmente trabaja en un libro con su obra que muestra cómo una artista transforma su experiencia vital en imágenes. El objetivo de Shoshanah es seguir pintando el mayor tiempo posible para mostrar a la gente la belleza de la Tierra. Obras selectas de la colección Inspired by Biology de Dubiner y The Pollinator Project, una serie de pinturas creadas para The Farm en la Universidad del Sur de Oregón, se exhibieron en ScienceWorks de mayo a junio de 2024.